身臨其境的西方經(jīng)典藝術(shù)展，足不出戶一篇全收

01《“愛琴遺珍”希臘安提凱希拉島水下考古文物展》

“愛琴遺珍——希臘安提凱希拉島水下考古文物展”的展品打撈于一艘公元前一世紀的沉船，這艘船從希臘化的小亞細亞沿岸港口出發(fā)，駛向意大利的羅馬共和國，不幸半途沉沒于安提凱希拉島附近水域。為突出展品韻味，希臘國家考古博物館與故宮博物院的設(shè)計師在神武門展廳做了精心設(shè)計。海藍色被選為展覽主色調(diào)，展品放置在白色展臺上。藍色象征海水，白色象征海底細沙。一個巨大的大理石馬軀干和眾多紅陶器皿堆放在一起，底下鋪滿沙子，仿佛是當年水下的場景再現(xiàn)。櫥架上擺滿了船員們使用過的陶燈、陶瓶等生活器具，似乎讓我們看到艱苦的航海旅程。

一組大理石雕像盡管不再潔白細膩，我們?nèi)匀荒軓乃鼈儦埓娴男螤钪斜孀R出古希臘寫實主義雕塑的高超技法與迷人魅力?？脊艑W家在沉船中發(fā)現(xiàn)了古代臥榻的構(gòu)件。臥榻是希臘羅馬時代奢侈生活的見證，在很多浮雕藝術(shù)中頻頻出現(xiàn)，留存下來的實物卻不多。沉船是古代航海者的悲哀，卻是封存歷史的時間膠囊。也許正因棲身于沉船，臥榻構(gòu)件才得以為今人所見。設(shè)計師用有機玻璃還原了臥榻的全形，把不同構(gòu)件固定在相應位置上，讓觀眾知道這些構(gòu)件曾經(jīng)是臥榻的哪些組成部分。展覽還展出了極為精美的玻璃器皿。在遙遠的古代，玻璃工藝已經(jīng)悄然興盛，特別是在古希臘羅馬文明中，玻璃器皿的藝術(shù)性特別高，品質(zhì)也非常出色。當我們觀賞這些晶瑩剔透的玻璃器皿時，會為它們迷人的色澤與質(zhì)感醉心不已，它們類玉似冰，讓人心曠神怡。安提凱希拉沉船上的貨物本來是要運抵意大利的，它們大概是羅馬貴族們訂購的生活必需品和奢侈品。在公元前一世紀，羅馬共和國已經(jīng)成了掌控地中海大部分地區(qū)的霸權(quán)國家，即將搖身變成羅馬帝國。它與古老的希臘文明在碰撞中融合，通過類似的海上貿(mào)易從希臘文明區(qū)源源不斷引進物質(zhì)與文化，逐漸促成了羅馬文明的繁盛。

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02《威尼斯與威尼斯畫派》

《威尼斯與威尼斯畫派》展覽旨在展示從十五世紀到十八世紀跨越四百年歷史的威尼斯繪畫發(fā)展脈絡(luò)：明媚和諧的文藝復興時期、雍容華麗的十六世紀、光彩強烈的巴洛克時期、輕盈柔美的洛可可時代、理性至上的啟蒙運動時期，通過不同階段藝術(shù)特色的呈現(xiàn)，使廣大觀眾對威尼斯四百年的藝術(shù)歷史有一個清晰的了解。十五世紀威尼斯文藝復興時期的繪畫藝術(shù)推崇古典和優(yōu)雅的風格，強調(diào)對人與自然的體現(xiàn)，追求自然風光中的詩意，注重通過圖像講述故事，安德烈亞·曼特尼亞、阿爾維斯·維瓦里尼、真蒂萊·貝利尼、喬瓦尼·貝利尼、西瑪·達·科內(nèi)利亞諾、維托雷·卡爾帕喬是這一時期繪畫藝術(shù)的代表大師。十六世紀威尼斯的繪畫，從特有的誘人“色調(diào)”入手，善于用藝術(shù)語言揭示人物的心理活動，喬爾喬內(nèi)、提香、薩沃爾多、洛倫佐·洛托是這種繪畫風格的代表人物。之后，由于受到來自羅馬“風格主義”的影響，繪畫風格精致而富有力量，主要的代表畫家有委羅內(nèi)塞、丁托列托、巴薩諾。十七世紀巴洛克時期，十八世紀洛可可時代，一直到新古典主義，以塞巴斯蒂亞諾·里奇、羅薩爾巴·卡列拉、詹巴蒂斯塔·皮亞澤塔為代表的藝術(shù)家創(chuàng)作了一系列極具藝術(shù)魅力的繪畫作品。此外，彼得羅·隆吉創(chuàng)作了怡人的敘事性繪畫，詹巴蒂斯塔·提埃波羅可以把各種情景“搬上”畫布，他也因此被稱為“神筆畫家”。

威尼斯的風景畫也不容忽視?？{萊托運用精湛的科學知識，按透視和比例繪制的畫作極具代表性。弗朗切斯科·瓜爾迪充滿詩意和想象力的作品，不僅體現(xiàn)出啟蒙運動的理性至上，也表達了面對巨變的世界，人們內(nèi)心的惶恐與不安。雖然威尼斯共和國歷經(jīng)從興盛到黃昏、從衰落到消亡，但威尼斯繪畫藝術(shù)并沒有隨之衰落。相反，在不同的歷史時期，都留下了許多不朽之作，使她成為世界藝術(shù)史上一個永恒的傳奇。

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03《羅馬與巴洛克藝術(shù)展》

《羅馬與巴洛克藝術(shù)展》由中國國家博物館、意大利文化遺產(chǎn)活動和旅游部文化遺產(chǎn)開發(fā)司及羅馬歷史、藝術(shù)、民族人類遺產(chǎn)及博物館聯(lián)盟特署聯(lián)合舉辦。這是執(zhí)行中意兩國政府達成的五年文化合作計劃，繼“佛羅倫薩與文藝復興：名家名作”展之后的又一個精彩展覽。巴洛克藝術(shù)是十七世紀歐洲廣為流行的藝術(shù)風格。羅馬作為巴洛克藝術(shù)的發(fā)源地再次成為十七世紀意大利和歐洲的藝術(shù)中心。聚集在羅馬的眾多意大利和歐洲藝術(shù)名家以其高超的藝術(shù)造詣和豐富的創(chuàng)造力，為這座永恒之城留下了大量彌足珍貴的藝術(shù)瑰寶。

為了展現(xiàn)十七世紀羅馬的整體藝術(shù)風貌特別是羅馬巴洛克藝術(shù)的獨特魅力，中意雙方歷時一年多精心策劃了“羅馬與巴洛克藝術(shù)”這一主題展覽。此次展覽匯集了50件（套）十七世紀意大利的繪畫、雕塑和工藝品。全部展品精選自羅馬威尼斯宮國立博物館、科西尼宮國立古代藝術(shù)館、巴貝里尼宮國立古代藝術(shù)館、基吉宮巴洛克博物館、斯巴達美術(shù)館等10余家意大利著名博物館、藝術(shù)館和相關(guān)收藏機構(gòu)，包括卡拉齊、卡拉瓦喬、貝尼尼、科爾托納、阿爾加迪、普桑、安德烈亞·薩基、弗朗西斯科·科扎、喬萬·巴蒂斯塔·高利、賈欽托·布蘭迪等20余名活躍在十七世紀羅馬藝術(shù)舞臺上的藝術(shù)大師和著名藝術(shù)家的藝術(shù)精品，涵蓋了以巴洛克為主體的多種藝術(shù)風格。此次展覽以十七世紀羅馬藝術(shù)史的發(fā)展脈絡(luò)為主線，劃分為走向巴洛克及其自然主義的表現(xiàn)、巴洛克雕塑和巴洛克繪畫三個部分，重點介紹和展示羅馬巴洛克藝術(shù)，同時兼顧同時期的其他藝術(shù)風格，為廣大觀眾呈現(xiàn)一幅十七世紀的羅馬藝術(shù)全景畫卷。

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04《倫勃朗與他的時代》

《倫勃朗與他的時代》展出的70余件展品分為肖像畫、歷史畫及風俗畫三大主題，其中包含歐洲十七世紀最偉大畫家之一的倫勃朗的11幅畫作，以及天才藝術(shù)家維米爾首幅在北京展示的作品《坐在維金納琴旁的年輕女子》。展覽還將著重展出來自“精細繪畫”（fijnschilders）的創(chuàng)作，包括倫勃朗的首位學生格里特·德奧以及他的兩位杰出弟子弗蘭斯·范·米里斯和戈特弗里德·沙爾肯等人的多幅藝術(shù)佳作。展覽重現(xiàn)了十七世紀荷蘭黃金時代的藝術(shù)盛景，實為中國公眾欣賞十七世紀荷蘭藝術(shù)的絕佳機會。

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05《“重塑”呂佩爾茨雕塑作品展》

馬庫斯·呂佩爾茨，是德國當代著名的畫家、雕塑家、作家、藝術(shù)教育家和爵士樂鋼琴家。他是一位勤奮、善思、高產(chǎn)的藝術(shù)家，他十分關(guān)注藝術(shù)作品本體語言的表達和未來的各種可能性，以及藝術(shù)家自我意識的表達。與巴塞利茲、伊門多夫、彭克、安塞姆·基弗等一同被劃歸到德國新表現(xiàn)主義的陣營之中。呂佩爾茨以及他所代表的德國新表現(xiàn)主義繪畫不僅僅是作為獨特的歐洲藝術(shù)表現(xiàn)方式，打破了曾一度影響歐洲的波普藝術(shù)和極簡主義的統(tǒng)治局面，因其繪畫藝術(shù)的獨特創(chuàng)造力引發(fā)了藝術(shù)理論和藝術(shù)史界關(guān)于繪畫回歸問題的討論。20世紀80年代末到90年代初德國新表現(xiàn)主義被介紹到中國，對中國當代藝術(shù)的發(fā)展產(chǎn)生了重要影響。新表現(xiàn)主義在畫面中呈現(xiàn)出的沖擊力、激情甚至是一種反抗的、糾結(jié)的、矛盾的情緒深深地影響著中國藝術(shù)家，中國藝術(shù)家或直接的學習其畫法和風格，或從其表現(xiàn)形式或方法上借力。

呂佩爾茨的藝術(shù)從20世紀60年代開始，在80年代獲得了極大的聲譽。他的藝術(shù)被賦予了多重意義的維度，特別是圍繞關(guān)于繪畫性的研究，從繪畫形式語言和繪畫題材入手，發(fā)現(xiàn)新的具有個人化與說服力的表達方式。他的雕塑雕鑿粗放，有著狂烈的色彩，透過凹凸起伏的雕刻形成鮮明而強烈的對比，雕鑿出人物的性格和靈魂。他的作品將形式與身體感覺的體驗還原到了最為本能的層面上，實現(xiàn)了精神性力量的當代展示。

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06《“靜止中移動”安東尼·葛姆雷個展》

《安東尼·葛姆雷：靜止中移動》是安東尼·葛姆雷在中國的首個重要展覽。此次展覽將展現(xiàn)并傳達藝術(shù)家在過去四十年間思考的核心主題：身體即空間，空間即物體。展覽的核心作品為《臨界物質(zhì)II》（1995），是一件由六十個真人大小的鑄鐵人體組成的裝置作品。其中的十二個人形軀體被安置在龍美術(shù)館一樓，排列成直線型。從胎兒的姿態(tài)到耽于幻想的眺望的姿態(tài)，不免讓人聯(lián)想到“人類的進化”。在其旁邊，相同的軀體混亂地倒成一堆，同時遠處的軀體從屋頂懸掛下來。就如同藝術(shù)家本人的陳述：“這里，被遺棄的人造鐵，每個都有人體十倍的重量，在反映了人類發(fā)展進步的社會黑暗面的同時，喚起觀眾對于上世紀各種矛盾沖突的記憶?！薄逗粑姆块gIV [RIO]》（2012）和《走廊II》（2017）這兩件作品探索了不同形式的“合作”與“參與”。《呼吸的房間IV [RIO]》由若干可以發(fā)光的“空間框架”所組成，構(gòu)建了一個三維立體的環(huán)境，觀眾被邀請與這雕塑化的空間相互動，甚至成為它的一部分。光和時間是這件作品的主要組成部分，十分鐘的黑暗被四十秒的使人目眩的光所切斷。此作品就像一幅三維曼陀羅，觀眾同時獲得了心靈上安撫與對抗的雙重體驗，而沉思則在疑惑中被對比。《走廊II》是一個15.5米長的通道，其外觀模擬了站立著的人體形狀。它暗示了作品與人體的內(nèi)部相關(guān)，并提供了一場走進黑暗與未知的旅行。這兩件作品都是葛姆雷對于想要創(chuàng)造一個儀器的嘗試，通過這個儀器觀眾的經(jīng)驗得到催化和轉(zhuǎn)化。此次展出的四件懸浮雕塑作品（2008-2012）看上去就像懸浮于空間中的繪畫，每件作品的中心都有類似素描般的身體空間顯露著，在這些非物質(zhì)化的作品中，軀體是自由的、失重的并且沒有內(nèi)心的。

繪畫一直是藝術(shù)家創(chuàng)作的核心部分，本次展覽涵蓋了藝術(shù)家從1981至2016年間所創(chuàng)作的大量紙上作品。這些作品展示了手、軀體以及藝術(shù)家潛意識直覺中的親密動作，畫面呈現(xiàn)出其獨有的張力與強度。通過線條、礦物顏料以及其他媒介的使用，這些繪畫作品成為一種特殊的手段，有助于呈現(xiàn)“在制作中觀看”這一過程。

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