一種“陌生化”體驗的十種講法

□ 王杰泓

一種“陌生化”體驗的十種講法

□ 王杰泓

在“當代藝術”日益淪為“艷俗”、“惡搞”、“反架上”、“后現(xiàn)代”、“圖式復制”、“點子競爭”的代名詞的如今這年月，事實上，藝術正不可避免地走向庸俗，走向了與生活的“同一化”——機械、單調(diào)而沒有新意。正是在此意義上，我曾在《杜尚、博伊斯與當代藝術的強迫癥氣質(zhì)》、《觀念藝術：“諷喻”的歷史哲學》等文中明確指出：當代藝術的最大問題不在背離“架上－審美”傳統(tǒng)，也不在“語言-圖式”創(chuàng)新性的匱乏，而恰恰在于其自身作為一種“陌生化”存在之批判與救贖特質(zhì)的缺失。藝術可以復現(xiàn)生活而寫實，表現(xiàn)生活而寫意，當然也可以疏離生活而抽象化、觀念化，但從根本上講，藝術與生活的關系是異質(zhì)的，伏根于某種人生匱乏體驗（如情感匱乏、精神迷惘、信仰失落等）的藝術，究其實質(zhì)是對生活的不滿與批判，而原本平淡無奇、淡乎寡味的生活也借此獲得了一種被美化和被救贖的可能。

以此對藝術最樸素的定位為切入點，張立紅等10人的當代油畫展呈現(xiàn)出一種共通性的可貴的探索氣質(zhì)。他們出生于科班，但甚少學院氣；有男有女，但執(zhí)著于從“我”出發(fā)、聚焦于創(chuàng)作“興奮點”的尋找撫平了性別的差異；成員中既有遭際坎坷、閱歷豐厚的70后，也有初生牛犢、無知無畏的80后，但在對藝術抱懷一顆赤子之心、敬畏之心，述寫個人特定的“陌生化”體驗方面卻是殊途而同歸的。

張立紅的作品延續(xù)了其在《無所謂》、《有什么》包括《藍水》系列中的實驗性，對確定性主題風格和一種賴以安頓自我的“興奮點”的尋找使得他的創(chuàng)作同時充滿了不確定性，曖昧而難于釋讀。誠如他自己所說，除非再畫個幾十張、達到一定的量，否則結(jié)論為時尚早。張作喜歡遣用樹根、新生兒、青春少年等原本代表生命最純樸、生動狀態(tài)的形象入畫，但是，瘦削的體形、驚顫的眼神以及藍、灰、殷紅的敷色處理提示著生命的“受傷”。不過與青春殘酷繪畫有所不同，藝術家的“受傷”體驗并不外在于畫面，其僅僅呈現(xiàn)為一種只可意會而不可言傳的淡淡意味，畫面的語言表達本身是第一位的。有意思的是，這樣一種個性化的摸索反倒使作品產(chǎn)生出“居間”的新質(zhì)，即在“戀根”意向與“受傷”體驗之間，在青春繪畫與技術主義之間，進而言之在觀念意向與畫面語言、確定性與不確定性之間，藝術家自覺不自覺地把握到了一種平衡，從而令作品呈現(xiàn)出相當?shù)乃囆g張力。

紀輝的作品源于對“文化間性”的理解與思考。作為藝術創(chuàng)作者和社會之一員的“兩位一體”，他借用中國傳統(tǒng)的形式符號元素，并將其置換到架上油畫的創(chuàng)作中，人物的肢體、動作與表情在臆造的山水時空里被悄然放大，寫實遞渡為寫意，寧靜中夾雜著荒誕。無疑，藝術家企圖借中西藝術語言符號的“嫁接”來審思不同文化間的矛盾沖突以及相互融合的可能。如此之技術處理同樣產(chǎn)生出一種居間性和陌生化的效果：作品已非常態(tài)的水墨山水抑或架上油畫，而是穿梭于中西兩種圖像之間、游離于兩種藝術形式的邊緣，個中所裹挾的對傳統(tǒng)文化與西方文化、個體人與社會人、現(xiàn)實與理想、記憶與夢幻等等諸如此類的蕪雜體悟，啟人遐思。

畫面是思想的形態(tài)學。解讀王順剛的作品無法回避其介入意識與觀念訴求，但是，與時下熱衷于獵巫、獵奇、獵艷或者沿襲光頭、大頭、卡通圖式不同的是，他的作品表現(xiàn)出一種簡潔的敘事性。主題上，藝術家關注外部物質(zhì)世界擠壓下個體的生存狀態(tài)與情緒體驗，并且擇以一種講故事式的直白方式直呈這種體驗。而在畫面的處理上，他將人物盡量縮小、不作細部特寫，將色彩壓縮至極簡、近乎單色，同時“故意”運用濺、灑、刮等手法，造成粗糙的“壞畫”感。此外，作者很注意作品命名的趣味性與直觀性，譬如《騎墻記》、《找天使》、《莫名的興奮》、《不高興的鴨子》等，然而，簡潔而有趣的命名恰恰反襯出主題的灰色與憂郁，正如作品形式的輕松與直觀實質(zhì)在轉(zhuǎn)喻內(nèi)涵的沉重與壓抑一樣。

韓繼中自謙是畫畫的后學者，但這反而給他的創(chuàng)作帶來一種“意外”的單純與質(zhì)樸。他的作品以單色（如綠、黃，或藍）為主，突出精細的手工描繪。無論是含苞待放的麥子，蔥翠欲滴的葉子，抑或是類似于莖葉狀的臆想中的麥枝，畫家均耽思一慮，一筆到底，一色到底，力求畫面整體的極簡與靜穆。然而，刻意的手工無掩于藝術家觀念的訴求：作品中的麥子一律呈透明狀，宛如塑料而迥異于生活中我們所見的充滿生命活力的麥子——這是對生存“異化”的某種提示。倘使我們進一步將一個個單幅平面連綴成一組有變化的圖像（就像看電影那樣），從黃到綠再到藍，我們似乎還能從畫面形象的更迭、遞渡體味到畫家心理的纖微變化，其中包含著他對用色的理解，也包含著一種對生命復蘇的渴望……

風景入畫是中國山水畫的傳統(tǒng)，而范洪濤的油畫風景則代表了其對一種唯美詩意與純凈精神的向往。在當下繪畫風格多元化和令人眼花繚亂的情境下，藝術家試圖擺脫既往過于追求寫實的油畫畫風，突出對風景的抽象寫意。作品往往以高度概括的線條描繪山石之大形，以沉穩(wěn)而含蓄的灰色來表現(xiàn)風景的色彩，同時舍去了多余的繁枝冗節(jié)，去除刻意的修飾，形成了一種簡約、滋潤、通透的畫面效果。這種中西合璧的藝術處理，使得藝術家的系列作品兼有“具象變形”和“寄言出意”的審美特征，融注著個體自我一種寧靜與單純的心境。

與參展的男性藝術家相比，孫小蒙的繪畫有一種特有的“女性”氣質(zhì)。愛美是人之天性，更是女人的“精神鴉片”。在孫小蒙的作品中，她以敏感、纖細的眼神凝視著那只美麗的手：嫵媚、時尚，充滿人工打磨的痕跡；或執(zhí)上半株樸素、天然的花朵，或舞蹈著一個蒲公英的夢——相互沖突卻又相得益彰，于對美之短暫的抱憾中浸潤著對生命自戀式的憐愛。畫面以紅、黃、藍為背景色，順著畫家感受現(xiàn)實所得的各種不同的假設，不斷將觀畫者的想象引向一個個童話般而不失理性的想象空間。

在10位參展作者中，周璐也是一位喜歡講述心靈故事的藝術家。如其自己所言：“我的作品如同日記，表現(xiàn)了我對生活和環(huán)境的階段性思考?！痹谇趭^的她看來，能想到的就能寫出來，寫得出來的就試著畫出來，寫不出來也畫不出來就留著繼續(xù)醞釀。人和人之間真的能相互理解嗎？周璐用敘事性的畫面告訴我們：或許可以，但也只是彼此“以為”的可以，如此而已。兩個身體靠在一起便是微溫，但這并不足以驅(qū)除各自內(nèi)心深處那份絕對的孤獨。毫無疑問，藝術家不是一個冷血的悲觀主義者，透過簡單、率真的表達方式，其對生活真實和人際溫情的信任仍然清晰可辨。

劉宏暉的作品聚焦于一種對時間的陌生化體驗。世間萬物有生必有滅，誕生的同時也就意味著注定走向滅亡。在此意義上，時間并非永恒，時間其實也是毫無意義的?；谶@種異乎流俗的理解，藝術家曲筆式地擷取金屬物而非生命體來表現(xiàn)。在具體刻寫金屬物（如煤氣罐、大卡車）時，他采取了新舊對比（通過不同顏色標識）的方式，尤其是對金屬物報廢后橙紅的“銹跡”作了重點渲染。生銹意味著腐蝕，腐蝕的結(jié)果就是消失——金屬物如斯，生命更是如此?！颁P跡”的美絢爛多彩，同時也變幻無常，這令藝術家沉迷其間。整個作品不僅有形式的美感，而且內(nèi)蘊著一種對時間不可逆轉(zhuǎn)的傷感和莫名的荒誕感。

80后的李賢術有一種可愛的“憤青”或理想主義味道。他的若干大幅作品中都有一堵墻，一堵帶窗戶的灰色的墻；都有一條魚，一條想要飛卻被拴住的塑料魚。地表是單色的，單調(diào)而壓抑；建筑是死寂的，像一座座荒原中的墳墓；童年記憶中那在小河里自由嬉戲的魚兒也變成了非生物化的怪物，游魂似的滯留在無趣而乏味的城市（塵世）間。顯而易見，這是一幅幅“鄉(xiāng)愁的隱喻”畫。對于80后的年輕人而言，童話原本是恍如昨日、招之即來的，但現(xiàn)實卻宣告著美好不再。這無疑是最讓人傷感的。透過對冷漠、無趣的現(xiàn)實生活的反諷性述寫，作品所暗含的其實也是對一種本真、有趣的生存狀態(tài)的“招魂”。

“傷在外，必返其家。”概括此次參展的10位年輕藝術家的藝術作品，盡管我們可以指出其存在的這樣或那樣的問題，譬如技術主義、經(jīng)院主義痕跡，想法過多而大氣不足，但是有一點毋庸置疑，那就是他們在執(zhí)著于表現(xiàn)由切身體驗而延伸的觀念意向上令人感佩。在當代藝術、當代生活一再遭受惡意的戕害，人的情感、精神與信仰無從安頓的當下，作為無名者的他們惟倚一腔赤誠、深入人性的迷惘，然后用一種最樸質(zhì)的方式將其所思、所想、所悟表現(xiàn)出來。如此之可貴的探索無論是放在當代藝術史的坐標上考量，抑或是置于尋找“還鄉(xiāng)路”的藝術的根性角度評價，其意義與價值都是深遠而巨大的。相信他們會是未來藝術的引路人！

王杰泓，武漢大學文學院博士后，武漢大學藝術學系副教授、碩士生導師。本文系作者作為策展人為“方式·方言——湖北美術學院當代油畫十人展”（2010年3月于湖北美術學院美術館）所作的序。