美國現(xiàn)當(dāng)代作曲家群像

孫曉燁

近年來，隨著中美音樂活動交流日益頻繁，國內(nèi)有更多的學(xué)者聚焦于對如亞當(dāng)斯、菲利普·格拉斯、約翰·凱奇、科立安里亞諾、艾夫斯等一批美國現(xiàn)當(dāng)代作曲家的專題研究，也有部分音樂專業(yè)院校引入了美國的音樂理論如申克分析、完全音樂理論[1]、里曼和聲二元論等，這不僅完善了西方傳統(tǒng)的音樂理論體系，也為音樂作品的分析與研究找到了新的突破口。鑒于中西方音樂文化交流方面的思考，文章將整合美國多方位的音樂資源，借助美國現(xiàn)當(dāng)代作曲家及其音樂作品窺探美國現(xiàn)代音樂風(fēng)格的特點與藝術(shù)文化發(fā)展的動向，為想要了解美國現(xiàn)代音樂的大眾，以及試圖進行現(xiàn)代音樂研究的學(xué)者提供有價值的信息與參考。

美國密蘇里大學(xué)堪薩斯分校（后簡稱UMKC）[2]音樂學(xué)院舉辦音樂會的次數(shù)非常頻繁，平均每周有四場左右，校內(nèi)的管弦樂隊和室內(nèi)樂音樂會通常在詹姆斯·C·奧爾森表演中心演出，部分小型室內(nèi)樂和獨奏音樂會選擇在圖書館或教堂演出，大部分合唱音樂會則在教堂演出。此外，UMKC音樂學(xué)院每學(xué)期將組織兩場同類型但不同曲目的音樂會，如剛剛于2020年2月13日在詹姆斯·C·奧爾森表演中心舉行的管樂團音樂會，之后還將于今年四月份在相同地點上演。擔(dān)任此次演出的團體是UMKC學(xué)生交響樂團，成員都是音樂學(xué)院各個表演專業(yè)中最優(yōu)秀的學(xué)生，常年登上考夫曼音樂廳等國際舞臺，以及每年數(shù)十場的演出經(jīng)驗鍛煉出他們高水準的藝術(shù)表現(xiàn)和專業(yè)素養(yǎng)。以下是2月13日晚整場音樂會節(jié)目單的主要信息：

2019-2020 UMKC音樂學(xué)院管樂團音樂會節(jié)目單

音樂會共包含六部作品，均為美國作曲家所作，其中有兩部是近五年的作品（有一部是修訂，不包含在內(nèi)），四部是七零及八零后年輕作曲家的作品，一部是世界首演，基本可以將本場音樂會定位于現(xiàn)代音樂風(fēng)格。六位美國作曲家都曾獲得過多項國際大獎，其中有四位作曲家獲得了格萊美、普利策等重要的作曲類國際獎項，在當(dāng)今美國樂壇取得了舉足輕重的地位;另外兩位堪薩斯城本土作曲家在現(xiàn)場做了簡短的作品介紹，一位是UMKC作曲專業(yè)的博士研究生，另一位作曲家多年前在UMKC獲得了作曲專業(yè)的博士學(xué)位，現(xiàn)在是堪薩斯大學(xué)的作曲教授，他們的作品在各大國際現(xiàn)代音樂節(jié)或研討會中與世界級指揮家合作演出。由此看來，當(dāng)晚的音樂會作品質(zhì)量頗高，具有研究的價值和意義。

阿道夫·海爾斯克《慶典》（1975/2019）

阿道夫·海爾斯克《慶典》（1975/2019

阿道夫·海爾斯克（Adolphus Hailstork）是非裔美國作曲家和音樂教育家，現(xiàn)任歐道明大學(xué)（Old Dominion Univ- ersity）音樂系教授。他相繼獲得了霍華德大學(xué)（Howard Unive- rsity）的學(xué)士學(xué)位，曼哈頓音樂學(xué)院（Manhattan School of Music）的碩士學(xué)位和密歇根州立大學(xué)（Michigan State University）的博士學(xué)位。還曾獲得過Fulbright獎學(xué)金、弗吉尼亞聯(lián)邦文化獎（Cultural Laureate of the Commonwealth of Virginia）、歐內(nèi)斯特·布洛克獎（Ernest Block Award）和雷蒙德·布洛克紀念委員會獎（Raymond W. Brock Memorial Commission A- ward）等。阿道夫是一位多產(chǎn)的作曲家，至今為止，他的創(chuàng)作涉及合唱、獨唱、鋼琴、管風(fēng)琴、室內(nèi)樂、管弦樂隊和歌劇等音樂體裁，他的作品被底特律交響樂團（Detroit Symphony）、費城交響樂團（Philadelphia Orchestra）、芝加哥交響樂團（Chicago Symphony）和紐約愛樂樂團（New York Philharmonic）等世界著名樂團演奏，并與詹姆斯·迪普利斯特[4]、丹尼爾·巴倫博伊姆[5]、庫爾特·馬蘇爾[6]和洛林·馬澤爾[7]等國際著名指揮家合作演出。

在阿道夫的創(chuàng)作過程中，曾受到了亞綸·科普蘭（Aaron Copland）、塞謬爾·奧斯本·巴伯（Samuel Osbome Barber）和伊戈爾·斐德羅維奇·斯特拉文斯基（Igor Fedorovitch Stravinsky）的影響，以至于他的音樂曾被評論家詹姆斯·里德（James Reel）稱為“后現(xiàn)代風(fēng)格”。在創(chuàng)作理念方面，阿道夫融合了非洲、美國和歐洲傳統(tǒng)的音樂思想，在部分作品中常常能感受到強烈的爵士節(jié)奏與自由即興的布魯斯音調(diào)。

《慶典》是阿道夫早期的音樂作品，于1975年由彭尼基金會（J.C. Penney Foundation）委約，為迎接美國建國200周年而作，期間正值作曲家在楊斯敦州立大學(xué)（Youngstown State University）任教，之后他帶著這部作品參加了同年在明尼阿波利斯（Minneapolis）舉行的黑人音樂研討會。當(dāng)晚在詹姆斯·C·奧爾森表演中心上演的作品版本于2019年重新修訂，是哥倫比亞唱片公司發(fā)行的“黑人作曲家系列”專輯中的偉大作品之一。這部管樂隊作品短小緊湊且充滿活力，主題旋律簡單且清晰，節(jié)奏感十足且有規(guī)律。音樂一開始，響亮的小號在密集的鼓點節(jié)奏襯托下奏出了上行二度和下行二度的抑揚動機，中間還不時穿插著大镲的敲擊聲，瞬間將聽眾帶入到慶典儀式的歡樂現(xiàn)場;在小段引子結(jié)束后，單簧管伴隨著響板的密集節(jié)奏進入，接著銅管樂器組承接了單簧管的動機，在過渡片段中，大號以堅定有力的跳音方式奏出低音下行線條，之后音樂再次回到單簧管與銅管樂器交替動機的段落中;第二部分由低音提琴撥奏進入，這個部分更加強調(diào)銅管樂器的輝煌音色，營造了一幅喧嘩、歡騰的熱鬧場景，前一部分的單簧管動機在銅管樂器組的各樂器之間反復(fù)出現(xiàn)，樂曲中間幾乎沒有停歇之處，此起彼伏的旋律線條在每個樂器組相繼出現(xiàn)，最后音樂在傳統(tǒng)的完全終止上結(jié)束。

大衛(wèi)·詹姆斯·維特《懸掛著的水》（2017）

大衛(wèi)·詹姆斯·維特《懸掛著的水》（2017）

《懸掛著的水》是一部在2018年度UMKC管樂團作曲比賽中脫穎而出的獲獎作品，由UMKC作曲專業(yè)博士研究生大衛(wèi)·詹姆斯·維特（David James Witter）創(chuàng)作，當(dāng)晚是這部作品的全球首秀。大衛(wèi)目前正在UMKC音樂學(xué)院完成他博士階段最后一年的學(xué)習(xí)，預(yù)計于今年五月份畢業(yè)，現(xiàn)已被聘為中央衛(wèi)理公會大學(xué)（Central Methodist University）的音樂系主任和副教授。大衛(wèi)非常擅長爵士、搖滾等實驗性音樂領(lǐng)域方面的演奏和教學(xué)活動，他的作品曾在圣路易斯當(dāng)代藝術(shù)博物館（Contemporary Art Museum of St. Louis）、密蘇里植物園（Missouri Botanical Garden）以及密歇根州安娜堡（Ann Arbor， MI）和新澤西州帕特森（Paterson， NJ）的即興研討會上演出。此外，他的作品還被西雅圖自由爵士二人組“壞運氣（Bad Luck）”、紐約室內(nèi)樂團“警報將響（Alarm Will Sound）”和堪薩斯城“摩涅莫辛涅四重奏（Mnemosyne Quartet）”錄制成專輯。

我共聽過大衛(wèi)兩部音樂作品，上一部作品《一段經(jīng)文》（A Thread of Scripture）是在秋季學(xué)期的作曲系學(xué)生專場音樂會上演，他用自創(chuàng)的各種手勢指揮雙鋼琴、電吉他、大管、薩克斯管、小號、馬林巴等多件樂器，以重奏的形式展示了一段精彩的即興音樂表演?！稇覓熘乃防^續(xù)沿用了爵士樂的自由即興風(fēng)格，大衛(wèi)用天馬行空的音樂想象力構(gòu)建自己的音樂世界。他為這部作品寫了一個小短文有助于理解他的音樂思想：“寫這個作品的時候，我的腦子里有兩個不同的想法。一個想法是帶我的孩子去一個特別的游泳池，兒童區(qū)有一個巨大的蘑菇形器械，水從帽子的頂部流到帽子的邊緣，在那里你可以在孩子們一片嬉戲喧鬧中閑逛和玩耍;另一個想法是一幅色彩斑斕的夢幻畫面，描繪了一群居民在古老的沙漠，就像阿納薩奇人居住的洞穴，或者是佩特拉城。在創(chuàng)作過程中，這些想象的畫面疊加在一起，形成了一個模糊的、熙熙攘攘的、不協(xié)調(diào)的群體在空氣和水中蓬勃發(fā)展，這些似乎就是我在這個作品中所想喚起的東西?！贝笮l(wèi)在這部作品中呈現(xiàn)出孩子觀察世界的視角，他使用即興作曲手法、布魯斯音調(diào)以及非傳統(tǒng)和聲音響表現(xiàn)了碎片式的場景，讓聽眾時刻能夠感受到不同音響帶來的新鮮感。音樂常常在瀑布般的音響流中被突然終止，之后隨即轉(zhuǎn)入到一段歡快、俏皮的音樂中，猶如一個孩子在凍結(jié)的瀑布上自由自在的滑行。作曲家讓各種樂器自由發(fā)揮，有的段落還在不經(jīng)意之間填充了一段銅管樂器或打擊樂的隨機音響，這是作曲家構(gòu)思出來的各種奇思妙想，它們一個一個冒出來，隨之又淹沒其中，讓現(xiàn)場聽眾感受到即興藝術(shù)帶來的魅力和驚喜。整部作品由多個碎片式段落銜接而成，在聆聽過程中形成了一種不平衡的畫面感，被作曲家形容為“坦率和情感開放的感覺”，這種率真的情感正是孩子的天性，也是作曲家始終想從孩子的角度來表達的音樂內(nèi)容。

約翰·麥基《為高音薩克斯管和管樂隊而作的協(xié)奏曲》（2007）

約翰·麥基《為高音薩克斯管和管樂隊而作的協(xié)奏曲》（2007）

約翰·麥基（John Mackey）[8]是一位年輕的美國現(xiàn)代古典作曲家，曾為布魯克林愛樂樂團（Brooklyn P- hilharmonic）、紐約青年交響樂團（New York Youth Symphony）、達拉斯劇院中心（Dallas Theater Center）和阿爾文埃利美國舞蹈劇院紐約城市芭蕾舞團（Alvin Ailey American Dance Theater， New York City Ballet）等團體創(chuàng)作過大量的管弦樂隊、芭蕾舞音樂等大型音樂作品。然而，這位作曲家在自己的個人網(wǎng)站上卻說“自己未演奏過樂器”，原來他從小習(xí)慣使用電腦創(chuàng)作，這也是他高產(chǎn)量的原因之一。目前，他的作品已經(jīng)達到了每年數(shù)以千計的表演次數(shù)，是美國當(dāng)前炙手可熱的作曲家。他先在克利夫蘭音樂學(xué)院（Cleveland Institute of Music）就讀本科，之后在茱莉亞音樂學(xué)院（Juilliard School）跟隨約翰·科立安里亞諾 學(xué)習(xí)，并獲得了碩士學(xué)位。2014年，他被認為是美國樂隊協(xié)會（American Bandmasters Association）有史以來最年輕的作曲家;2018年，他獲得了美國藝術(shù)與文學(xué)學(xué)會（American Academy of Arts）頒發(fā)的瓦迪米爾和洛達萊康德獎（Wladimir & Rhoda Lakond Award）。

《為高音薩克斯管和管樂隊而作的協(xié)奏曲》于2007年10月由達拉斯管樂團在德克薩斯州的邁耶森交響樂中心（Meyerson Symphony Center）首演。該作品共包含五個樂章，總時長為25分鐘。若要欣賞、理解這部作品，首先需要聽聽作曲家對薩克斯管這件樂器的解釋：“對我來說，薩克斯管是一件混合型樂器，它本質(zhì)上是一種帶有木管簧片的銅管樂器。薩克斯管不像銅管樂器那樣有閥門，而像木管樂器一樣有按鍵，于是，我有了一件由三種材質(zhì)制成的樂器：一是毛氈，指琴鍵的墊子;二是金屬，指琴身;三是木材，指簧片。實際上，管樂隊里的每件樂器都可以屬于一個或多個類別。比如銅管樂器由金屬制成，豎琴由金屬和木材制成，木管有按鍵等等。有了這種認識便讓我確立了這部作品的核心思想：一部多樂章的音樂作品，中間三個樂章選擇與樂器材質(zhì)相匹配的樂器，被稱為‘毛氈、金屬和木材，前后兩個樂章則作為前奏和尾聲?！?/p>

演出當(dāng)晚由于時間關(guān)系，只上演了第二和第五樂章，之后我在作曲家的個人網(wǎng)站上找到了音頻，并完整的欣賞了整部作品，接下來將逐一進行介紹。第一樂章“序曲”猶如整部作品的預(yù)告片，非常簡短，大約兩分鐘，主要陳述了之后三個樂章的核心音樂材料，聽眾從該樂章感受到的美妙段落將在接下來的樂章中有更深刻的體會。第二樂章“毛氈”使用了大量的高密度節(jié)奏型，演奏者快速的手指運動以及各種高難度的指法組合營造了急促緊張的音樂氣氛。當(dāng)演奏者每次使用不同的指法組合來演奏相同的音高時，便能聽到多種色彩的音響效果，這個樂章充分發(fā)揮了薩克斯管的性能，并對作曲家自設(shè)的問題“薩克斯管是由什么制成的？”做出了很好的回答。第三樂章“金屬”的表演時間為七分三十秒，平靜而抒情的音樂風(fēng)格與前一樂章形成鮮明對比。作曲家用打擊樂與銅管樂器的音色烘托薩克斯管，使薩克斯管在音樂逐漸走向高潮時奏出的聲音“既高昂又漂亮”。第四樂章“木材”是一首優(yōu)美簡單的探戈，猶如在爵士俱樂部聽到的薩克斯管那般浪漫且悅耳動人，為了強調(diào)木質(zhì)結(jié)構(gòu)樂器的音色，作曲家用木管樂器、低音提琴、豎琴、鋼琴、木琴與之呼應(yīng)。第五樂章“終曲”引用了作曲家的老師科里安里亞諾的《單簧管協(xié)奏曲》開始的旋律，為了使這個段落有所變化，約翰·麥基又引用了16世紀作曲家喬萬尼·加布里埃里（Giovanni Gabrieli）的《鋼琴奏鳴曲》，以此向兩位大師致敬。該樂章在一分多鐘的華彩段落中，解答了“薩克斯管的作用是什么？”這一問題，正如作曲家自己尋找到的答案那樣“薩克斯管可以演奏又難又怪的音樂”。

瓊·托爾《迷人的絲帶》（2001）

瓊·托爾《迷人的絲帶》（2001）

瓊·托爾（Joan Tower）被公認為是美國20世紀最重要的作曲家之一，同時她也是一位優(yōu)秀的鋼琴演奏家、指揮家和音樂教育家。她本科就讀于本寧頓學(xué)院（Bennington College），取得了哥倫比亞大學(xué)（Columbia University）的碩士與博士學(xué)位，之后相繼獲得史密斯學(xué)院（Smith College）、新英格蘭音樂學(xué)院（New England Conservatory of M- usic）和伊利諾伊斯州立大學(xué)（Illinois State University）的榮譽博士學(xué)位。自1972年以來，她一直在巴德學(xué)院（Bard College）任教，在她五十多年的教學(xué)與作曲職業(yè)生涯中為美國的音樂活動做了巨大貢獻;1985年至1988年，擔(dān)任圣路易斯交響樂團（St. Louis Symphony）的常駐作曲家;1990年，憑借管弦樂作品《銀梯》silver Ladder（1986）成為了格拉維爾獎（Grawemeyer Award）的首位女性獲獎?wù)?1993年，為密爾沃基芭蕾舞團（Milwaukee Ballet）創(chuàng)作了芭蕾舞劇《進身之階》Stepping Stones，這部作品的部分片段曾在白宮演出;1997-2007年擔(dān)任圣盧克管弦樂隊（Orchestra of St. Lukes）的常駐作曲家;1998年獲得特拉華交響樂團（Delaware Symphony）的埃爾夫·杜邦（Alfred I. DuPont Award）最杰出美國作曲家獎;2002年獲得卡蘭斯特交響樂團（Lancaster）年度作曲家獎;2004年《坦波爾》Tambor（1998），《美國制造》 Made in America（2004）和《管弦樂協(xié)奏曲》Concerto for Orchestra（1991）三部作品獲得了格萊美獎提名;2005年，她成為第一位被“美國制造”項目委約的作曲家，該專輯后于2008年獲得了“最佳當(dāng)代古典作曲獎、最佳古典專輯獎和最佳管弦樂表演獎”三項格萊美獎;2010-2011年，擔(dān)任匹茲堡交響樂團（Pittsburgh Symphony）的常駐作曲家;2013-2014年，擔(dān)任奧爾巴尼交響樂團（Albany Symphony）的常駐作曲家;2019年，在74屆美國交響樂團聯(lián)盟（League of American Orchestra）大會上被授予最高榮譽“金指揮棒”（The Gold Baton）。

瓊·托爾的早期創(chuàng)作曾受到序列主義影響，之后又對奧利維?！っ肺靼瞇9]和喬治·克拉姆[10]的作品產(chǎn)生濃厚興趣，在長期的創(chuàng)作實踐探索中，逐漸展現(xiàn)出具有印象派特點的個人風(fēng)格。整體而言，瓊·托爾相較于同時期的其他先鋒派作曲家，顯得更為保守，從她的音樂中能聽到動人的旋律線條以及豐富的情感表現(xiàn)。作曲家構(gòu)思作品時，想用大量動機和點狀節(jié)奏描繪一幅由絲帶編織的圖案，同時又引用了喬治·格什溫[11]的作品《迷人的節(jié)奏》（Fascinating Rhythms）的節(jié)奏型，就有了作品的標題《迷人的絲帶》，這是由全國大學(xué)樂隊指揮協(xié)會（College Band Directors National Association，簡稱CBDNA）委約的作品，于2001年2月在德克薩斯州丹頓兩年一度的CBDNA會議上首演，同時作曲家還將此作品獻給了指揮家杰克·斯坦普[12]。瓊·托爾在作品中展現(xiàn)了不同形態(tài)的絲帶：“原型絲帶”在音樂開始采用了點狀的“短-長”節(jié)奏演繹上行小三度動機[13]，之后進行音程擴張、節(jié)奏變化等處理;“多層的絲帶”以多聲部的方式陳述，采用梅西安八音音階（有限轉(zhuǎn)位模式II）素材創(chuàng)造了縱橫交織的音階“混響”;“沉重的絲帶”以半音進行在三度音程范圍內(nèi)陳述，由銅管樂器在低音區(qū)奏出，增加了音樂的厚重感;“旋轉(zhuǎn)的絲帶”以迂回的線條運動奏出快速、流暢的三連音和十六分音符，讓高音區(qū)的旋律具有輕盈、飄逸的特點;“點綴的絲帶”來自于格什溫《迷人的節(jié)奏》，出現(xiàn)在曲末用于呼應(yīng)標題，給作品增添了爵士樂元素。作曲家通過三度音程的核心動機發(fā)展出平滑的、激烈的、柔和的、獨立的且相互關(guān)聯(lián)的“絲帶”旋律，以八音音階素材作為和聲上的調(diào)色板，再加上管樂器音色上的渲染，讓聽眾沉浸在激動人心且色彩斑斕的音樂中。

英格麗·斯托爾澤《潘塔里斯》（2010）

英格麗·斯托爾澤《潘塔里斯》（2010）

英格麗·斯托爾澤（Ingrid St?lzel）是一位德國籍美國作曲家，她先后獲得了哈特福特大學(xué)（University of Ha- rtford）與UMKC的碩士與博士學(xué)位，目前任教于堪薩斯大學(xué)（University of Kansas）作曲系。她的音樂被舊金山古典樂之聲（San Francisco Classical Voice）評論為“有旋律天賦的作曲家。”她的創(chuàng)作涉及獨奏、室內(nèi)樂、管弦樂等多種音樂體裁，常受到國際一流樂團和演奏家的委約，創(chuàng)作的作品紛紛入選泰國國際音樂節(jié)、比利時Osmose音樂節(jié)、以色列Vox Feminae音樂節(jié)、韓國Dot the Lin音樂節(jié)、加拿大Ritornello室內(nèi)樂音樂節(jié)、弗洛里達州新音樂節(jié)、中國北京現(xiàn)代音樂節(jié)、美國新音樂節(jié)和美國SoundOn現(xiàn)代音樂節(jié)等國際音樂活動，在首爾藝術(shù)中心、梅爾金音樂廳、肯尼迪中心等國際舞臺上演。她還獲得了蘇珊娜和李·埃德森作曲家獎（Suzanne and Lee Ettelson Composers Award）、紅音符作曲比賽（Red Note Comp- osition Competition[14]）、羅伯特·阿瓦隆國際作曲家比賽（Robert Avalon International Competition for Composers）、萬花筒室內(nèi)管弦樂隊比賽（Kaleidoscope Chamber Orchestra Competition）等多個國際作曲類獎項。

《萬物皆動》Panta Rhei源自于希臘語，這是赫拉克利特[15]所主張的哲學(xué)觀點，并道出了一句流傳于世的至理名言：“一個人不可能兩次踏入同一條河流”。作曲家將自己置身于聆聽者和作曲家的雙重身份中，用音樂表現(xiàn)了相同的哲學(xué)觀點，“音樂只存在于時間中，而人是不斷變化的。一個人永遠不可能在同一部作品中以相同的方式去體驗兩次，也不可能以相同的方式去演奏同一部作品?！痹撟髌酚?010年10月由UMKC管樂團交響樂團在詹姆斯·C·奧爾森表演中心首演，此次在同一地點再次上演。作品從木管奏出的上行旋律開始，為作品奠定了抒情、柔婉的音樂基調(diào)，接著在低音區(qū)長音的襯托下，上行旋律再次向上伸展時如破土而出的萌芽一般變得更有力量，之后一次又一次由低至高慢慢生長，去突破每一次成長過程中的最高點，直至旋律持續(xù)在長笛演奏的高聲部飄揚，鋼琴以四分音符節(jié)奏點綴其中，營造了美好、祥和的音樂氛圍，當(dāng)聽眾為這段音樂所感動時，突然大號和打擊樂的加入打破了寧靜，預(yù)示著一場暴風(fēng)雨的到來，在全曲最激烈的段落過去后，木管樂器再次奏起了悠揚的旋律，猶如雨后的陽光灑向大地，一切又恢復(fù)了往日的美好，此時銅管樂器奏出的和聲干凈又清澈，讓人們回想起音樂開始的上行旋律，最后結(jié)束在長笛奏出的高音處。這部抒情且富有表現(xiàn)力的作品用“透明的質(zhì)感和流暢的線條成功地濃縮了它的標題?！盵16]與聽眾建立了深厚的情感聯(lián)系，音樂性正如美國唱片指南（American Record Guide）描述的那樣：“溫柔又美麗！”

奧馬爾·托馬斯《我們?nèi)碌囊惶扉_始了》（2015）?

奧馬爾·托馬斯《我們?nèi)碌囊惶扉_始了》（2015）

音樂會的壓軸曲目是由一名年輕的八零后黑人作曲家奧馬爾·托馬斯（Omar Thomas）所作，他的音樂被描述為“優(yōu)雅、動人、精致、強烈、情感到位”，無論在何地演出，始終能夠與聽眾產(chǎn)生強烈共鳴。美國著名爵士鋼琴家赫比·漢考克[17]曾經(jīng)評價道：“他將在未來爵士樂的進一步發(fā)展中展現(xiàn)出巨大潛力，并形成一種新的聲音?！?/p>

奧馬爾出生于紐約布魯克林的圭亞那籍家庭，曾先后在詹姆斯麥迪遜大學(xué)（James Madison University）和新英格蘭音樂學(xué)院跟隨肯·沙弗斯特[18]、弗蘭克·卡爾伯格[19]以及瑪麗亞·施耐德[20]等世界著名大師學(xué)習(xí)音樂教育和爵士作曲。奧馬爾的作品包括爵士和古典兩種風(fēng)格，曾被伊斯曼新爵士樂團（Eastman New Jazz Ensemble）、舊金山和波士頓男子合唱團（San Francisco and Boston Gay Mens Choruses）、科羅拉多交響樂團（Colorado Symphony Orchestra）等世界著名演出團隊以及美國頂尖的大學(xué)音樂演出團體在世界各地的音樂廳演出。他曾發(fā)行過兩張專輯，其中第二張專輯“我們將知道”（2013）獲得了兩項OMA音樂獎（OUTMusic Awards）的獎項，包括“年度最佳專輯”，得到業(yè)內(nèi)人士的高度贊譽。格萊美獲獎?wù)咛佧悺ち斩鳌た诸D[21]認為：“奧馬爾·托馬斯被證明是他這個時代中最重要的作曲家和編曲家之一，”[22]這使他躋身于美國偉大的藝術(shù)家行列。除了創(chuàng)作，奧馬爾還作為副教授在伯克利音樂學(xué)院（Berklee College of Music）和皮博迪音樂學(xué)院（Peabody Institute）擔(dān)任教學(xué)工作。

《我們?nèi)碌囊惶扉_始了》這部極具感染力的作品深深打動了在場的每位聽眾，若你知道它的創(chuàng)作背景就能夠真正理解打動人心的深層含義。這是作曲家對2015年6月17日在美國南卡羅萊納州教堂發(fā)生的襲擊事件中喪生的九位美麗靈魂的悼念之作。歷史上，大量的美國黑人在生活最艱難的時期都會向教堂尋求庇護，并逐步出現(xiàn)了具有民族特色的黑人教堂音樂和敬拜活動。奧馬爾早已熟知這段歷史，認為“這部作品的音樂主題應(yīng)該植根于美國黑人教會的傳統(tǒng)音樂，”因此作品中夾雜著大量布魯斯的和聲與旋律，還伴隨著一些唱歌、跺腳和拍手的段落，以及運用鈴鼓等樂器向黑人的崇拜儀式致敬。此外，作曲家還引用了詹姆斯·韋爾登·約翰遜[23]與約翰·羅莎蒙德·約翰遜[24]的歌曲《高聲歌唱》[25]作為重要音樂素材，以此證明自己的態(tài)度。